ニール・ホッドが語る、相反するものの美学

Interview｜Nir Hod

ニール・ホッドが語る、相反するものの美学

圧倒的な美に潜む悲しみの気配。
イスラエル出身の現代アーティスト Nir Hodはアンビバレンスを見つめ続ける。

KOTARO NUKAGA（天王洲）にて８月８日（土）まで開催中の「Flowers of Memory」では、光沢をたたえた画面に花々が咲き乱れるシリーズ「100 Years Is Not Enough」が展開されている。

Lula Japan Webでは、本展に際して来日した
Hodに特別なインタビューを実施。Hodはこう喝破する——「現実とはすべてイリュージョンである」と。
制作を裏打ちする自身の美学、そして人生観について、真っ直ぐな言葉が重ねられた。

An undercurrent of sorrow runs beneath overwhelming beauty.
Israeli contemporary artist Nir Hod continues his exploration of ambivalence.

At the exhibition ‘Flowers of Memory’, on view at KOTARO NUKAGA Tennoz through August 8th (Sat.), the series ‘100 Years Is Not Enough’ is on display—a collection of paintings featuring flowers blooming profusely on lustrous canvases.

Lula Japan Web conducted a special interview with Hod, who visited Japan for this exhibition.
Hod declares undoubtedly: “Reality is all an illusion”.
Speaking with remarkable clarity, Hod reflects on the aesthetic philosophy that shapes his practice, as well as the worldview that continues to inform it.

－本展「Flowers of Memory」で発表される作品について教えてください。
今回の展示では、どのようなテーマや感覚を表現しようと考えましたか。

まず、私は本作を含む作品群を通して、感情的なインパクトを与えたいと考えています。アートの世界ではしばしば、感情は知的なものに対する二次的なもの、あるいはそれ以下とみなされがちですが、私はアーティストとして、また個人としてもそれこそが一番重要なものであると信じています。

また、芸術は人に寄り添うものでなくてはなりません。人に何かを伝え、繋がることこそが、私の原初のモチベーションです。
誰かに寄り添うことは、ダークなテーマに触れることにも繋がります。人々の中の暗いものを、作品を通して何か魅惑的なもの、あるいは美しいものへと転用する。そのように制作された作品は人々の感情を打つのです。

作品群にはそれぞれ繊細さと純粋さを宿し、２重、３重の見方ができるようになっています。
誰かにとっての希望や、人生を変えるようなきっかけになるようなものを作りたいと切に思います。

－First, could you tell us a bit about the works in this exhibition, ‘Flowers of Memory’?
What kinds of themes or feelings were you exploring in this exhibition?

Above all, through my works including this piece, I aim to create an emotional impact.In the art world, emotion is often viewed as secondary to—or even inferior to—the intellectual, but as an artist and as an individual, I believe it is the most important element of all.

Furthermore, art must resonate with people. Communicating something to others and connecting with them is my first motivation.
Connecting with people also involves touching dark subjects. Through my work, I turn the darkness within people into something seductive or beautiful. I believe that the works created in this way have a very strong emotional impact.

Each piece in this collection embodies delicacy and purity, and is designed to be interpreted in multiple ways.
I sincerely hope to create works that serve as a source of hope for someone or as a trigger to change something in your life.

－展覧会タイトル「Flowers of Memory」という言葉が象徴するように、あなたの作品には、記憶や想像の世界が静かに息づいているように感じます。一方で、「100 Years Is Not Enough」シリーズでは、「生きていることの美しさと喜びを心に留めるには100年では足りない」と語られています。
あなたにとって「生きる」とは、どのようなことでしょうか。
また、記憶や想像、そして現実は、どのように繋がっていますか。

私自身、「生きる」ということ、その意味を学んでいる最中です。人生には素晴らしい時もあれば、苦しむ瞬間もあります。それが人間であり、生きていくということなのではないでしょうか。そして感性が鋭い人であれば誰でも、このような問題や葛藤に立ち向かい、衝突に向き合っていくのだと思います。
記憶は非常に強い力を持つことができます。記憶の中ではすべてのものが魅力的、魅惑的であるからです。想像の世界では、あらゆるものが現実よりも格段に美しくなります。

私は人生とは架空のものであると考えています。真実は存在しても、人々が感じる現実はそれぞれ違っている。同じ真実を見ていても、すべてはその人の解釈次第であり、非常に主観的なのです。
例えば、私の作品は鑑賞者が自分の姿を見出すよう、反射する仕掛けを持っています。自分に肯定的な認識を持っている人は写った自己像にポジティブな思いを抱き、一方でネガティブな感情を抱く人は、どこか自身に対して否定的なのです。同じ人間、例えば自分の像であっても、その時自身に対してどのような感情を持っているかによって全く違ったように見える。
現実とはすべて、その人がどのように感じるかによって決まる、イリュージョンのようなものなのです。

また、上質なアートは、絵画、楽曲、音楽、映画、詩、どのような形であれ、それをただ信じることで人生を変えてしまうほどの力を持つと思います。

－The title ‘Flowers of Memory’ evokes a world shaped by memory and imagination, which also seems to run through much of your work. At the same time, in your series ‘100 Years Is Not Enough’, you speak about the idea that a hundred years isn’t enough to fully hold onto the beauty and joy of being alive.
What does ‘being alive’ mean to you?
And how do memory, imagination, and reality connect in your practice?

I still try to learn what it means to be alive. Life has its wonderful moments, as well as moments of suffering. It is difficult to be alive, and that is what it means to be human and to live. And I believe that anyone with a keen sensibility must confront such issues and conflicts.
Memories have something very powerful because in a memory, everything is so beautiful and seductive. In the world of the imagination, everything becomes far more beautiful than in reality most of the time.

So also, when you understand life, at some point, you understand that it’s all imaginary. Even if there is a truth, the reality that people perceive differs from person to person. Even when looking at the same truth, everything depends on the individual’s interpretation and is highly subjective.
For example, my artwork incorporates reflective elements designed to allow viewers to see their own reflection. People who have a positive self-image will feel positively toward the reflection they see, while those with negative feelings will, in some way, feel negatively toward themselves. Even the same person—for example, your own reflection—can appear completely different depending on the emotions one is feeling toward oneself at that moment.
It means that the reality is an illusion determined entirely by the way we feel.

And one more thing, I think good art—whether in the form of paintings, compositions, music, films, or poetry—possesses the power to transform one’s life simply by believing in it.

－あなたの作品はリネンやキャンバスの上に油彩やクロームを重ね、その上から酸やアンモニアを注ぐことで起こる化学反応によって生まれています。
作者の意図だけでは制御できない、偶然の変化を作品に取り入れる理由を教えてください。
その予測できない変化は、あなたにとってどのような意味を持っていますか。

本作の制作を通して、私はたくさんの学びを得ました。偶発性に作品をまかせてみるというこの経験を経て、自分の趣味や芸術に対する見方が変わってきました。

当初は、せっかく作った素晴らしいものを暴力的な方法で台無しにしてしまったように感じて、絶望的な気持ちになりました。しかしその翌日、これが素晴らしい手法であったことに気づきました。自分が頭の中で考えていたものより良いものが完成したのです。
そこで理解したのは、ミスや失敗というものは存在しないということ。
神だけが完璧なものをお作りになれる、という感覚です。

この「偶然」は、自分で考えていてもどのように表現すれば良いのか分からなかったことについて、その方法を教えてくれました。
自分の美学を一段階上に引き上げてくれた、そんな発見でした。

ほとんどのアーティストは、才能を自分自身で使っています。
しかし次のステップでは、才能の方がアーティストを使うようになるのです。

－Your process involves layering oil paint and chrome onto linen or canvas and then introducing acid or ammonia, allowing chemical reactions to take place.
What interests you about embracing these elements of unpredictability?
What do those unexpected changes mean to you as an artist?

I learned a lot through the creation of this work. After this experience of letting accidents or unexpected things change my work, my taste and my perspective on art has changed.

At first, I felt desperate, as if I had ruined something wonderful I had worked so hard to create through a violent method. However, the day after, I realized this was actually a brilliant approach. The final result turned out to be so much better than anything I had in my mind.
Then I started to understand that there is no such thing as a mistake or failure.
It’s the sense that only God can create perfection.

This ‘coincidence’ taught me how to express something I had been pondering but didn’t know how to take it out.
It was a discovery that elevated my aesthetic sensibility to a whole new level.

As I see it, most artists use their talent for themselves.
But the next step is when the talent starts to use you.

－あなたの作品には、繊細さと力強さ、美しさと危うさが同時に存在しているように感じます。痛みや孤独といった感情までも、静かな美しさをまとって立ち現れてくる印象があります。
あなたは、孤独という感情をどのように捉えていますか。
また、作品を通して追い求めている「美」とは、どのようなものでしょうか。

まず、すべてのアートは孤独から生まれると思っています。真実や美を理解するためには、1人にならなければならない。なぜなら、痛みこそが真の美を捉えるために必要なものだからです。「Painting」という言葉が「Pain（痛み）」を内包するように。

私は、美と悲しみは繋がっていると考えており、これは個人的な美学でもあります。巨匠の絵画も、素晴らしい音楽も同様です。ポップな曲はブームとなってもひと夏で消えてしまうことが多いですが、悲しみを歌った曲、心の痛みを歌った曲は永遠に残ります。
アーティストはそれらの要素を操作し、２つを最良の形で結合させるのです。
そのために孤独をさほど感じていない時でも、自分の内面に深く潜っていくために、私はあえて孤立状態を作り出しています。

本作に登場する花には、生き生きとした美しいものもあれば、死に絶えていくもの、形を失っていくものもあります。それらは鑑賞者の人生の記憶、痛みの記憶としてそこに存在しています。

私は自分よりも大いなる存在に引き寄せられると同時に、弱ったもの、脆弱なものにも目を向けています。弱いものは時に強くなり、逆に強いものも時間を経て弱っていく。そういった関係に強く惹かれます。

－There’s a beautiful tension in your work between delicacy and strength, beauty and fragility. Even emotions like pain or loneliness seem to appear with a certain quiet grace, on your paintings.
How do you think about loneliness?
And what does beauty mean to you, or what kind of beauty are you searching for through your work?

At first, I believe that all art comes from loneliness. To understand truth and beauty, one must be alone. This is because pain is what is necessary to capture true beauty—just as the word ‘painting’ encompasses the ‘pain’.

I believe that beauty and sadness are connected, and this is also my personal aesthetic. The same is true of the masterpieces of the great painters and wonderful music. Happy songs fade away in a single summer, but songs that sing of sorrow and the pain of the heart remain forever.
Artists manipulate these elements and combine the two in the best possible way.
To that end, even when I don’t feel particularly lonely, I deliberately create isolation for myself so that I can dive deep into my inner self.

Among the flowers featured in my work, some are vibrant and beautiful, while others are about to decay or are losing their form. They exist there as memories of the viewer’s life—memories of pain.

While I am drawn to something bigger than me, I also focus on the weak and the fragile. The weak can sometimes become powerful, and conversely, the powerful can turn out to be weak over time. I am deeply captivated by these relationships.

－現在、特に関心を寄せているテーマや素材はありますか。
また、今後挑戦してみたい表現があれば教えてください。

若い頃から芸術の分野の多様性に惹かれており、アーティストとしてさまざまな作品を生み出したいと思っていました。多様なテーマ、素材、主題を探究したいという想いは今でも変わりません。

1つの作品が完成すると、そこから次の作品へと繋がっていく感覚があります。それは、私にとって絶え間ない進化のプロセスなのです。
現在、「Suicide of a Flower」と題した彫刻作品を制作しています。ウェディング、葬式、さまざまな場で使われる花に寄り添い、その感情を想像することで生まれた作品であり、今作の制作を通して自然について考えていたことから発展しました。

作品ひとつひとつを、ラブレターあるいは詩の1節、1つの文章だと捉えています。それは、アーティストとして観る人に何か届けたいという衝動から生まれるものであり、突き詰めて言えば、母親に喜んでもらいたい子どものような感覚で作り出していくものなのです。

－Looking ahead, are there any themes, materials, or new forms of expression that you’re especially interested in exploring right now?

Ever since I was young, I’ve been drawn to diversity in the arts, and I’ve always wanted to create a wide variety of works as an artist. I always want to explore diversity in themes, materials, and subjects, even now.

When I finish one piece, I feel as though it leads naturally to the next. For me, it’s a process of continuous evolution.
I’m now working on a series of sculptures titled ‘Suicide of a Flower’. This piece was born from contemplating the emotions associated with flowers—which are used in weddings, funerals, and various other occasions—and it evolved from my reflections on nature during the creation of the current work.

I view each piece as a single sentence in a love letter or poetry. It stems from my impulse as an artist to convey something to the viewer, and ultimately, I create them with the same feeling as a child who wants to make their mother happy.

 

Nir Hod：
イスラエル・テルアビブ出身。ベツァルエル美術デザイン学院在学中に、ニューヨークのクーパー・ユニオン美術学部に留学し、現在もニューヨークを拠点に活動する。
彫刻、映像、キャンバスといったさまざまなメディアを横断する作品群は、美しさ、コントラスト、セクシュアリティ、退廃、失われゆく純粋さといった概念を具現化。鑑賞の主体と対象の関係を反転させ、「見ること」そのものの更新を試みる。2005年、イスラエルのテルアビブ美術館で個展を開催し、以降欧米の美術館やギャラリーを中心に作品の発表を続けている。
nirhod.com/

Born in Tel Aviv, Israel, and currently based in New York. He earned his B.F.A from the Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem, and also received artistic training at New York’s Cooper Union School of Art.
His body of work, which spans various media including sculpture, film, and canvas, embodies concepts such as beauty, contrast, sexuality, decadence, and lost innocence. By reversing the relationship between the viewer and the object, he seeks to redefine the act of ‘seeing’. In 2005, he held a solo exhibition at the Tel Aviv Museum of Art in Israel, and since then has continued to exhibit his work primarily at museums and galleries in Europe and the United States.

【Nir Hod ”Flowers of Memory”】
DATE：8月8日（土）まで開催中
※日曜、月曜、祝日定休
TIME：11:30am〜6:00pm
PLACE：KOTARO NUKAGA（天王洲）
ADDRESS：東京都品川区東品川1-32-8 TERRADA Art Complex II 1階
ADMISSION FREE
WEBSITE：kotaronukaga.com/exhibition/flowers-of-memory/